Con más de 2 billones de streams acumulados como compositor, productor e ingeniero, el productor musical colombiano Saibu se ha consolidado como una de las figuras clave detrás de múltiples proyectos exitosos en la música. aunque para él, las cifras son solo una parte del camino.
“Es muy bonito ver estos números, porque cuando uno es niño la música se ve tan lejana y abstracta que jamás imaginas que podrías vivir de esto”, comparte. “¿Quién diría que uno podría vivir de algo que al principio hace gratis?”.
Crecer como ser humano es fundamental
Aunque domina la parte técnica de la producción musical, el productor insiste en que el verdadero diferencial está en el crecimiento personal. Afirmó que la técnica se aprende. Lo más importante es mejorar como ser humano.
Recomienda a quienes buscan una carrera en la industria aprender de todo: desde software, sonidos y VSTs, hasta tocar instrumentos y cantar. “Un productor tiene que saber de todo un poco”, pero enfatiza que el aprendizaje no debe limitarse a la música.
“La energía es real. Todos tenemos un campo energético, un aura. Entre más dañado esté ese campo, peor te va en la vida”, explica. Por ello, promueve hábitos como la meditación, la buena alimentación, el ejercicio y el consumo consciente de contenido considera que cuidar el interior impacta directamente en el éxito profesional.
Entre los contenidos que más han influido en su vida, menciona podcasts enfocados en crecimiento personal y espiritual, como el de Rodrigo Macías. En cuanto a libros, menciona algunos como Cómo ganar amigos e influir sobre las personas de Dale Carnegie, al que describe como “un libro que te cambia la vida”, algunos otros de Napoleón Hill como Piense y hágase rico o La magia de pensar en grande.
“Son libros con lenguaje sencillo, ideales para quienes empiezan a leer, pero con ideas que te acompañan toda la vida”, comenta.
Talentos y disquera en crecimiento
Además de colaborar con artistas consolidados, el productor apuesta fuertemente por nuevos talentos. Entre los proyectos que más lo entusiasman se encuentran Alan Arrieta y Lucas Urquijo, este último con un crecimiento acelerado y un fandom sólido que ya lo llevó a reservar el Teatro Metropólitan con solo dos canciones lanzadas.
Desde su disquera SB Records, fundada el año pasado, impulsa proyectos diversos. Su primer disco de oro llegó con “Amor a la antigua” de Mía Salinas.
El sello también trabaja con artistas como Shanti (Costa Rica), Leandro Laapa (Colombia) y Scarcuchi (Yucatán), explorando géneros que van del pop al reggaetón, afrobeat y electrónica.
Versatilidad y trabajo en equipo
El productor disfruta y estudia géneros tan distintos como el bolero y el metal. “Cuando escucho música la estoy desglosando mentalmente. Luego llegó al estudio y empiezo a construir parte por parte”, explica.
Aunque defiende la versatilidad, también reconoce el valor de quienes se especializan en un solo sonido. “Todo es válido. Lo importante es no creerse más que los demás. Todos estamos a una canción de que nos cambie la vida”.
Para él, el éxito no es individual. “La carrera de un artista depende de todo su equipo. Cuidar a tu gente y crecer con ellos es lo que te asegura una carrera larga”, asegura.
Radicando en México, Saibu expresa un profundo agradecimiento al país. “Vine a sumar, no a ver qué podía llevarme. México te devuelve lo que tú le das”, dice y considera que México y Colombia comparten raíces culturales profundas y se refiere a ambos como países hermanos.
“Aquí me quedaré. Seguramente mis hijos serán mexicanos”
Obstáculos en el camino
Antes del éxito, hubo etapas difíciles. Desde vender jabones en motocicleta en Medellín hasta vender dulces en la escuela, reconoce que esos momentos formaron parte del proceso. “Todo eso pasa por el bien del guión de la vida. Lo importante es no perder la visión y estar preparado cuando llegue la oportunidad”
Detrás de un sencillo global existieron distintas dificultades y retos para lograrlo. En la música actual, los grandes éxitos ya no se construyen únicamente en estudios tradicionales. Muchas veces nacen entre aeropuertos, hoteles, llamadas de emergencia y laptops abiertas sobre mesas improvisadas. Así fue el proceso detrás de uno de los remixes más importantes de los últimos años, que reunió a Bogueto, Anuel y Fuerza Regida, y que terminó debutando número uno global.
Para Saibu, a cargo de la mezcla y estructura del proyecto, la clave estuvo en la preparación constante. “Un productor tiene que estar listo siempre. Estas cosas no avisan”, explica. Su equipo esencial es mínimo pero suficiente: una computadora potente, audífonos, una interfaz pequeña, discos duros y un teclado portátil. “Con eso puedo producir en cualquier lugar: aeropuertos, Ubers, donde sea”.
El proyecto se fue construyendo sobre la marcha. Inicialmente, el productor no sabía que terminaría a cargo de una parte tan crucial del remix. Todo comenzó cuando Bogueto le pidió descargar y organizar una carpeta enviada por el equipo de Fuerza Regida. A partir de ahí, el proceso fue fluyendo sin un plan rígido.
Uno de los momentos más intensos ocurrió durante un viaje personal. “Estaba en Punta Mita, en el matrimonio de una amiga, y de repente me entra una videollamada: ‘Brother, llegaron las voces de Anuel’”. En cuestión de minutos, la laptop estaba abierta sobre una mesa improvisada, y el rompecabezas comenzó a armarse: estructura, orden de artistas, entradas y salidas. Esa misma tarde nació la primera versión.
Versiones
En la industria musical, especialmente en los remixes, el reto no es sólo técnico, sino humano. “Cuando hay tantos artistas involucrados, llegar a un punto medio donde todos estén contentos es dificilísimo”, confiesa. El proyecto pasó por alrededor de quince versiones, sin contar la versión final que se envió a masterización con un ingeniero especializado.
Cada equipo tenía observaciones, ajustes y necesidades distintas. El productor tuvo que asumir un rol adicional: mediador. “Muchas veces toca ser traductor y negociador entre equipos. Entender a cada artista sin quitarle espacio al otro”.
Uno de los mayores desafíos fue lograr cohesión sonora. Las voces de los distintos artistas llegaron ya procesadas, con efectos, armonías y doblajes realizados por diferentes equipos. El trabajo consistió en ajustar, ecualizar, comprimir y dar presencia para que todas las voces convivan dentro del mismo universo sonoro, especialmente dentro del lenguaje del reggaetón.
Menciona que “En un remix no puedes permitir que cada artista suene como si estuviera en otra canción”, “El público lo siente de inmediato”. El proyecto terminó teniendo alrededor de 60 canales solo de voces, cuidadosamente trabajados para mantener unidad.
El beat original se respetó casi por completo. “Si así fue como la gente se enamoró de la canción, no puedes romper eso”. Solo se abrieron espacios y se añadieron detalles sutiles: bajos espaciales, efectos inversos y pequeños acentos que enriquecen sin distraer.
Disciplina e inspiración
El productor reconoce que su forma de trabajar ha cambiado con los años. “Antes esperaba estar inspirado. Hoy ya no te puedes dar ese lujo”. En proyectos de alto nivel, la inspiración no es una excusa. “No puedes decirle a un artista importante que no estás inspirado. Tienes que encontrar la inspiración donde sea”.
Ha producido canciones en lugares impensados, desde aeropuertos hasta Ubers, armando beats en trayectos cortos para llegar a sesiones con ideas ya avanzadas. Para él, la disciplina y la constancia pesan más que los momentos de iluminación creativa.
El resultado superó las expectativas. Anuel encajó de manera natural, “como si la canción siempre hubiera sido para él”. Para el público mexicano, su participación evocó una versión clásica del artista, generando una reacción inmediata. El riesgo era alto pues muchos remixes fracasan, pero el impacto fue contundente: número uno global y más de 100 millones de streams en el primer mes.
Para él, la mayor satisfacción no fue solo el éxito comercial, sino ver cómo el trabajo colectivo dio frutos. “Esto no es de una sola persona. Es el resultado de ingenieros, productores y equipos de distintos países trabajando hacia el mismo objetivo”.
Con proyectos de esta magnitud, la organización y el respaldo técnico se vuelven vitales. “Aquí hay oro puro”, haciendo referencia a su computadora. “Perderla sería como perder la vida”. Por eso, mantiene todo respaldado y siempre listo para responder ante cualquier urgencia creativa.
El proyecto
Saibu menciona que la duración de los temas en la actualidad son muy cortos, por lo que hacer un sencillo de 5 minutos con 20 segundos era un riesgo real ya que si algo dura mucho las personas ya no lo consumen, pero en esta ocasión el productor hace referencia a que el ritmo, los artistas y la energía hacen que se escuchen los cinco minutos sin darse cuenta.
Explica que la canción se construyó desde la nostalgia, pero con una visión contemporánea. “Es un reggaetón de antes, de esos que te generan nostalgia”
Uno de los aspectos clave del proyecto fue cuando Bogueto, sacrificó coros y secciones propias para dar espacio a todos los artistas involucrados. “La idea era que todos tuvieran su momento” dando como resultado es una canción larga, pero equilibrada.
El productor confía que este tema está destinado a envejecer bien. “Es una canción que con los años le va a gustar más a la gente. Creo que va a quedar como un ícono del reggaetón mexicano”. Para él, este momento representa una reivindicación personal y colectiva. Cuando llegó a México, el reggaetón aún no había explotado a gran escala. Incluso desde las grandes disqueras se escuchaba una frase recurrente: “El reggaetón en México nunca va a funcionar». Cambiando hoy el panorama para este género.
Saibu también comentó y destacó especialmente a Bogueto, a quien define como un líder natural. “Su caso es de estudio”. La capacidad de visualizar colaboraciones, incluso sin contactos previos, y materializarlas en tiempo récord, habla de un enfoque mental excepcional.
Para él, este enfoque va más allá de la música. La disciplina personal, la claridad mental y el cuidado del cuerpo juegan un papel fundamental. “Eso hace que su mente esté enfocada” hace mención. Ser parte de ese proceso creativo le genera una sensación profunda de estar escribiendo historia, aunque el impacto real se comprenda años después.
El proyecto también explora sonidos vintage, como el hip hop clásico al estilo de 50 Cent o Daddy Yankee en “Somos de calle”, llevados a un contexto moderno. Aunque el sonido se refiere al pasado, la tecnología detrás es completamente actual.
Comenzó su camino hace dieciséis años en Medellín, inicialmente como rockero y metalero. Desde entonces, la evolución tecnológica ha sido radical. “Antes todo sonaba muy MIDI, muy robótico. Hoy los instrumentos virtuales están grabados por músicos reales, nota por nota”.
Visión
Más allá de la técnica, Saibu atribuye gran parte de su éxito a entender la música desde todos los ángulos. Es músico, productor y cantante, lo que le permite comunicarse mejor con los artistas y guiarlos en el estudio. “Entender la voz y el cuerpo es clave para sacar lo mejor de cada interpretación”.
Aunque el álbum incluye beats de distintos productores, él se encarga de la mezcla y producción vocal para asegurar una identidad sonora coherente. “Es muy importante que un álbum suene como un todo”, explica.
Para él, este proyecto representa algo más que números o tendencias. Es la confirmación de que el reggaetón mexicano llegó para quedarse, con una identidad sólida y una proyección a largo plazo. así mismo menciona que “Lo que estamos haciendo ahora, en diez o veinte años, la gente lo va a mirar hacia atrás y va a decir: ‘eso fue un parteaguas”.
